7 أفلام أنمي ضمن قائمة أنمي الأوسكار 2026 المؤهلة من Chainsaw Man إلى ChaO
أثناء قراءتي للأحاديث المبكرة حول أنمي الأوسكار 2026 تذكرتُ كيف تحوّلت النقاشات في الأوساط الإعلامية في جاكرتا، وخاصةً منصات مثل Insertlive، نحو الحضور المتنامي للأنمي على الساحة العالمية. هذا العام، كشفت أكاديمية فنون وعلوم الصور المتحركة (AMPAS) عن قائمة رسمية تضم 35 فيلمًا مؤهلًا، وتضمنت هذه القائمة المزدحمة سبعة أفلام أنمي تستحق كل هذا الاهتمام. وبصفتي شخصًا تابع التطور الملحوظ في مزيج أفلام الرسوم المتحركة الغربية ونظيراتها الشرقية، أجد من المثير للاهتمام كيف تواصل أفلام الأنمي هذه اكتساب شعبية متزايدة في السنوات الأخيرة، ليس فقط بفضل جمالها الأخّاذ، بل أيضًا بفضل إنجازاتها الباهرة، وتقنيات إنتاجها المبتكرة، وأرقامها القياسية في شباك التذاكر. حتى في الفئات التي تهيمن عليها الاستوديوهات الغربية تقليديًا – مثل أفضل فيلم رسوم متحركة، وأفضل فيلم وثائقي، وأفضل فيلم دولي – يُشير الحضور المتزايد للأنمي إلى تحول في المنافسة، وربما إلى تقدير طال انتظاره للبراعة الفنية التي لطالما تميّزت بها هذه الأفلام.
بالنظر إلى العام المقبل، وتحديدًا في 15 مارس 2026، لا يسعني إلا أن أتذكر أول مرة شاهدت فيها فيلم أنمي يُعرض جنبًا إلى جنب مع أفلام منافسة رئيسية؛ ساد القاعة شعورٌ بعدم التصديق بأن فيلمًا كان يُعتبر سابقًا “مُخصصًا” أصبح الآن مؤهلًا تمامًا للفئات الرئيسية لفئة الرسوم المتحركة نفسها. كما تطورت استراتيجيات الإصدار الأوسع نطاقًا التي تتبناها الاستوديوهات اليابانية بمرور الوقت، مما سهّل على العناوين التأهل ومنافسة المنافسين العالميين. إن مشاهدة هذا المشهد المتطور – حيث لم يعد الأنمي يتعايش فحسب، بل يتقدم بنشاط نحو الصدارة – تُشعرك وكأنك تشاهد التاريخ يتكشف في الوقت الفعلي. إنها ليست مجرد علامة فارقة في هذا النوع من الأفلام، بل هي شهادة على سرد قصصي يتجاوز الحدود والتوقعات.
رجل المنشار: آرك ريزي1.
مع تزايد زخم حصول الأنمي على اعتراف من AMPAS، لم أستطع إلا أن أنسج ترقبي الخاص في الضجة المحيطة بفيلم Chainsaw Man The Movie: Reze Arc، وهو فيلم يستغل عدم القدرة على التنبؤ الخام الذي جذبني لأول مرة في أيام المانجا. هذا الإدخال من إخراج تاتسويا يوشيهارا، يوسع القصة إلى ما بعد الموسم الأول، ويغوص مباشرة في قوس Bomb Girl، والذي يعرفه المعجبون القدامى كنقطة تحول في الامتياز. إنه يذهلني كيف أن عنوانًا كان يُعتبر في السابق جامحًا جدًا للسوق الدولية أصبح الآن على استعداد للانضمام إلى محادثات جوائز الأوسكار لعام 2026 جنبًا إلى جنب مع المتنافسين المتجذرين في السرديات الأكثر تقليدية. لقد ارتفعت شعبية Chainsaw Man عالميًا، ورؤيته يتحول إلى أحد أعلى إصدارات الأفلام اليابانية ربحًا يبدو وكأنه مشاهدة صديق قديم يتلقى أخيرًا اعترافًا متأخرًا من الجماهير خارج اليابان.
٢. قاتل الشياطين: الفيلم: قلعة اللانهاية
بسبب تصاعد شعبية أفلام الأنمي المنافسة، وجدت نفسي أفكر في كيف حطم قاتل الشياطين التوقعات حتى قبل أن تدخل نسخة الفيلم من قلعة اللانهاية سباق الجوائز. بعد أن تابعتُ المسلسل منذ حلقاته الأولى، شاهدتُ المعجبين – بمن فيهم أنا – يُعجبون بكيفية وصول كل جزء إلى هذه النقطة الحاسمة في الثلاثية، التي تبدو الآن على أهبة الاستعداد لإعادة كتابة قصة الشهرة العالمية. بفضل التوجيه المستمر لهيكارو كوندو والتوجيه الدقيق لهارو سوتوزاكي، يبدو أن هذا الفصل مُقدّر له تقريبًا أن يُحقق أرقامًا قياسية تاريخية لم يحققها سابقًا سوى الفيلم الياباني الأعلى إيرادات على الإطلاق، ناهيك عن صعوده المفاجئ كواحد من أعلى الأفلام العالمية إيرادات في الولايات المتحدة. ما يلفت انتباهي هو مدى انسجام حجمه مع الحماس العالمي المُحيط بجوائز الأوسكار، وكأن الأنمي قد أصبح أخيرًا أكبر من أن تُغفله أي جهة مُنحت جوائز.
لكن بعيدًا عن الأرقام، لا يزال الثقل العاطفي للعواقب الدرامية لهجوم موزان الوحشي على فيلق قاتل الشياطين عالقًا في ذهني بطريقة لا تفعلها إلا لحظات سينمائية قليلة. يدفع الفيلم المشاهدين إلى عالم أبعاد مشوه، حيث يواجه صائدو الشياطين عاصفة لا تتوقف من الأعداء الأقوياء، ورؤية الأعمدة تتجمع في قلب قلعة اللانهاية ذكّرتني لماذا يتردد صدى الامتياز بعمق عبر الثقافات. إنه ليس بمثابة دخول معزول بل أشبه بالتتويج الطبيعي لحركة – أنمي يخطو إلى الساحات الدولية بثقة بدلاً من المفاجأة. وبصفتي شخصًا شاهد رحلته تتكشف من بدايات متواضعة إلى منافس محتمل على الأوسكار، فإن تجربة هذا الفصل على الشاشة الكبيرة كانت بمثابة مشاهدة نوع يطالب بمكانة طال انتظارها في السينما العالمية.
٣. سكارليت — مع تضمين كلمة التركيز (أنمي الأوسكار 2026)
استمرارًا لموجة الإقبال المتزايدة على الأنمي، يتبادر إلى ذهني فيلم سكارليت كأحد تلك العناوين المنتظرة التي لفتت انتباهي فورًا، خاصةً مع علمي بأنه يمثل خطوة جريئة أخرى من مامورو هوسودا، المخرج الذي جعلني عمله في فيلم “بيل” أُدرك مدى عمق قدرة الرسوم المتحركة على التعبير عن الهشاشة البشرية؛ هذه المرة، يميل إلى دراما عائلية تُشكلها صراعات عاطفية تُحاكي القلق الأبدي في مسرحية هاملت، مُغلفةً بلمساته البصرية المميزة. أثناء متابعتي لجدول إصداره، أتذكر كيف تباين ترتيبه بين إصدارات الصيف في الخارج مع طرحه التدريجي – ٢١ نوفمبر ٢٠٢٥ في إندونيسيا، يليه ١٠ ديسمبر تحت إدارة سوني بيكتشرز إندونيسيا – وهي استراتيجية غالبًا ما تُحدد كيفية تموضع الفيلم في الجوائز وتُشكل إيقاع العام.
٤. ١٠٠ متر
مع تعمق النقاش حول أفلام الأنمي المتنافسة، يبدو فيلم “١٠٠ متر” كأحد تلك الأعمال النادرة التي تُذكرني كيف يُمكن للتقنيات التجريبية أن تُفاجئ حتى مُتابعي صناعة الأنمي منذ فترة طويلة. الفيلم، من إخراج كينجي إيوايساوا، يعتمد بشكل كبير على تقنية الروتوسكوب، وهي تقنية رسوم متحركة تعتمد على تتبع حركات الممثلين من لقطات واقعية، مما يُضفي على كل لقطة طابعًا خامًا لم أتوقعه عندما قرأتُ مانجا هياكويمو لأوتو لأول مرة. أثناء مشاهدتي كيف يُعيد هذا التعديل صياغة قصة توغاشي، العداء الموهوب، وكوميا، الطالب المُنتقل المُتحمس الذي يُصبح مُنافسًا ومُحفزًا في آنٍ واحد، شعرتُ بنفس الشرارة التي تظهر غالبًا في توقعات الأوسكار المُبكرة عندما يُفكر النقاد في مُرشحين غير تقليديين. تكتسب علاقتهما المُتطورة، التي تجمع بين توتر المعلم والطالب والاحترام المُتبادل، طابعًا عاطفيًا مُختلفًا عند مُقارنتها بحركة رياضيي سباق ١٠٠ متر مُحترفين، مما يجعل كل ركضة تبدو مُلحة وحميمة بشكل غريب.
عندما عُرض الفيلم لأول مرة في إندونيسيا في 7 نوفمبر/تشرين الثاني، أتذكر أنني فكرتُ في مدى جرأة اعتماد قصة رياضية على جماليات تمزج بين الواقعية والأسلوبية، إلا أن هذا الاختيار تحديدًا قد يكون ما يميزه خلال نقاشات التصويت. ثمة شيءٌ آسرٌ في رؤية مواضيع مألوفة – المنافسة، والنمو، والحدود الشخصية – تُعرض من خلال نهجٍ يرفض إخفاء العيوب. إنه يعكس معاناة الرياضيين أنفسهم، ولعل هذه الأصالة هي سبب استمرار ظهور هذا العنوان في نقاشات أولئك الذين يتتبعون الإنجازات المحتملة لموسم الجوائز.
٥. فيلم “مسرح ملون!”: ميكو التي لا تستطيع الغناء
مع ازدياد نقاش الجوائز، يبرز فيلم “مسرح ملون!” برقة مفاجئة لم أتوقعها من سلسلة أفلام مستوحاة من لعبة مثل هاتسون ميكو: المسرح الملون. تحت إشراف هيرويوكي هاتا، يكشف فيلم “ميكو التي لا تستطيع الغناء” قصة نسخة من ميكو، التي، على الرغم من كونها أيقونة عالمية في العالم الافتراضي، تفقد فجأةً الشيء الوحيد الذي يربطه بها المعجبون: قدرتها على الغناء. عندما سمعتُ عن الفكرة لأول مرة، أدهشني مدى تطابق مواضيعه مع المشاعر الإنسانية الهشة، التي تكاد تكون يائسة، والتي رأيتُها تُستكشف في الأعمال الدرامية الحية، وهو أمر لم أتوقعه من فيلم تدور أحداثه في عالم افتراضي متلألئ. ومع ذلك، كلما تعمقت أحداث القصة، شعرتُ وكأنها تأمل في إعادة بناء الثقة، صمود هادئ مدفون تحت بريق رقمي.
ما يُرسّخ السرد هو الطريقة التي تتكاتف بها خمس فرق موسيقية حول هذه الشخصية التي كانت في السابق مرحة، حيث تُساهم كل فرقة بأغنية تُصبح جزءًا من محاولتها للتعافي. أثناء مشاهدتي للفيلم، وجدتُ نفسي متأثرًا بشكل غير متوقع بكيفية صدى رحلته العاطفية للإرهاق الإبداعي الحقيقي – وهو أمرٌ شعرتُ به في أعمالي – مُحوّلًا مسارًا بسيطًا في ظاهره إلى شيءٍ مُحكم وشخصي للغاية. وعلى الرغم من جمالياته المصقولة، يحمل الفيلم صدقًا يدوم طويلًا، مُثبتًا أن حتى الأيقونات المُصنّعة من البكسلات يُمكنها تسليط الضوء على تعقيدات الأمل بطرقٍ يتردد صداها بعيدًا عن الشاشة.
٦. مغامرات قلب التنين وراء هذا العالم
في ظلّ المشهد المتغيّر لعناوين الأنمي التي تدخل في نقاشات الجوائز، لفت انتباهي فيلم “مغامرات قلب التنين وراء هذا العالم” بجرأته في مزج الأفكار الميتافيزيقية مع إيقاعات المغامرة الكلاسيكية – وهو توازن لا يجرؤ كل فيلم على تحقيقه. هذا الفيلم، وهو العاشر من سلسلة أفلام الأنمي، من إخراج إيسامو إيماكاكي وإنتاج شركة هابي ساينس، يروي قصة مراهقين، ريوسوكي وتومومي، يجذبهما حادث غرق إلى عالم الأرواح قبل أن يعودا إلى عالم البشر بأسئلة لا تزال عالقة في ذهني حتى بعد مشاهدتها. وبصفتي شخصًا لطالما انجذب إلى الأعمال التي تمزج القيم الفلسفية في سرد قصصي من هذا النوع، فقد وجدت رحلتهما الروحية – المنسوجة في طبقات من الخيال والمغامرة والتأمل الهادئ في معنى الحياة – مؤثرة بشكل مدهش، لا سيما بالنظر إلى الأسلوب المميز للإنتاجات المرتبطة بهذه الحركة الدينية، والتي غالبًا ما تثير فضول الأوساط الدولية.
٧. تشاو
من بين عناوين الأنمي السبعة التي لفتت الانتباه هذا الموسم، كان فيلم تشاو مميزًا بالنسبة لي، ليس فقط لاختياراته الفنية الجريئة، بل لمدى انعكاسه العميق لطموح صناعة الرسوم المتحركة اليابانية التي تخطو بثقة نحو العالمية. الفيلم، من إخراج ياسوهيرو أوكي، يُعيد تخيل خيوط قصة حورية البحر الصغيرة لهانس كريستيان أندرسن، ولكنه يُقدم قصة جديدة كليًا تدور حول ستيفان، موظف شركة شحن تتغير حياته لحظة لقائه غير المتوقع بتشاو، حورية البحر التي يؤدي وجودها إلى اقتراح لا يفهمه أي منهما تمامًا. لقد أذهلني معرفة أن الأمر استغرق سبع سنوات وأكثر من 100,000 رسمة لإضفاء الحيوية على تفاصيله البصرية وجمالياته الفنية الأوسع؛ هذا المستوى من التفاني ذكّرني بأسباب تميز الأنمي في منافسة الأفلام العالمية، خاصةً عندما يُقدم على الابتكار البصري بجرأة كما يفعل هذا الفيلم. وبينما يتحول زواجهما غير المتوقع بلطف إلى اتحاد هش بين عالمين، فإن الرحلة العاطفية – المليئة بالضحك والدموع ولحظات من الرنين الهادئ – تلتقط نوع القصص القوية التي غالبًا ما تحدد المرشحين في المناقشات المحيطة بالقائمة المختصرة لجوائز الأوسكار لعام 2026، خاصة عندما تكون مدعومة بقاعدة جماهيرية ضخمة حريصة على رؤية مثل هذه الأصالة معترف بها.
